De laatste Rothko in deze rol.

Pace, een toonaangevende internationale galerie voor hedendaagse kunst, opent haar negende vestiging in het onlangs gerenoveerde Hanover Square in Londen. een buitengewone tentoonstelling van de Russisch-Amerikaanse schilder Mark Rothko (Dvinsk, Rusland, 1930; New York, 1970), vooral bekend om zijn fascinerende schilderijen met monumentale kleurvlakken die de kijker omhullen en het metafysische oproepen.

De tentoonstelling getiteld Mark Rothko 1968: Schoonmakenen die tot 13 november te zien zal zijn, brengt samen 17 belangrijke schilderijen gemaakt met acrylverf op papier en in een relatief klein formaat.De late jaren zestig waren een belangrijke en productieve periode in de carrière van de kunstenaar, ondanks zijn steeds zwakkere gezondheid en turbulente privéleven.

In 1968 verslechterde Rothko's gezondheid ernstig toen hij een bijna fatale aorta-aneurysma kreeg, waarvoor hij drie weken in het ziekenhuis lag. Zijn arts adviseerde hem te stoppen met schilderen, wat Rothko weigerde. Ze bereikten een compromis om de grote afmetingen van zijn schilderijen aanzienlijk te verkleinen en uitsluitend op papier in plaats van op doek te werken. Desondanks, Rothko bleef koortsachtig schilderen met hernieuwd enthousiasme voor kleur, gefascineerd door het effect van acrylverf.wat hij zojuist had ontdekt.

“"Deze werken op papier die mijn vader maakte in moeilijke tijden, toen hij een zwakke gezondheid had en beperkingen ondervond, zijn mijn favorieten omdat..." Ze vormen het hoogtepunt van zijn levenslange streven om zijn visie op het grenzeloze te verfijnen.. "Ze bewijzen hoe mijn vader met ziekte en depressie omging door te schilderen. Elke dag begon hij weer opnieuw," zegt Christian Rothko, zoon van Mark Rothko, een psycholoog van beroep die samen met zijn zus Kate de belangrijkste autoriteit op het gebied van het werk van de kunstenaar werd, uit New York.

“"De schilderijen die de tentoonstelling vormen, zijn bijna allemaal afkomstig uit de familie," zegt Elliot McDonald, directeur van de Pace Gallery, die Rothko's nalatenschap sinds de jaren 70 vertegenwoordigt. McDonald, die toezicht houdt op de werken, die zonder lijst of glas zijn opgesteld, zoals de schilder zelf verkoos, legt uit: "Hoewel hij gedwongen was de schaal te verkleinen, van zijn kenmerkende monumentale doek naar een intiemer papierformaat, Deze werken op papier bezitten dezelfde buitengewone kracht, dezelfde suggestieve waarde en een al even rijk en fantasierijk kleurenpalet. Deze werken op papier creëren die magische illusie van een oneindige en lichtgevende ruimte.

Christian Rothko voegt hieraan toe: "Gedurende zijn hele carrière werkte hij altijd in specifieke periodes op papier. Hij wilde dat we al zijn werken zouden zien, ongeacht of ze groot of klein van formaat waren, alsOf een menselijke en intieme dialoog met de kijker, vol emoties. "Hij maakte ze met hetzelfde doel: een authentieke ervaring overbrengen." Deze intimiteit komt met name tot uiting in de techniek van het gebruik van papier, omdat het door zijn kwetsbaarheid een inherente eigenschap heeft die lijkt op die van de huid. De tentoonstelling, met werken als kleine juwelen, stimuleert een intieme beschouwing en biedt een uitzonderlijke meditatieve kwaliteit.

Christopher Rothko was slechts zes jaar oud toen zijn vader in 1970 zelfmoord pleegde. Zijn jeugdherinneringen zijn prettig, maar beperkt, omdat hij afgeschermd was van veel negatieve aspecten. "Eigenlijk zag ik hem als mijn grootvader," zegt hij. "Ik kende zijn speelse en theatrale kant, die maar weinigen kenden. Voor hem was ik een geschenk, en dat zei hij ook. Hij nam me graag mee naar zijn atelier en gaf me rollen papier en penselen om mee te schilderen, en hij liet me muziekalbums horen. We luisterden samen naar klassieke muziek, vooral Mozart, en nog meer Mozart; we discussieerden erover waarom hij [iets anders] prefereerde." De Toverfluit en ik Don Giovanni. Hij zei altijd: hoewel Mozart heel gelukkig leek, was zijn muziek een kreet die door zijn glimlach heen klonk. Muziek was essentieel voor Rothko. "Er was altijd muziek thuis," herinnert Christopher zich.“De muziek geeft perfect uitdrukking aan de emotionele, pre-verbale en diep sensuele ervaring die hij met zijn schilderijen bij de kijker wilde oproepen.”.

Christian groeide op te midden van de werken van zijn vader en bezit in feite nog steeds werken uit alle perioden.“Een van de schilderijen die hem het meest ontroerde, is het schilderij dat in de eetkamer hing en nu in het MoMA te zien is. Daar heeft hij alle recht toe. Langzame draaikolk aan de rand van de zeewaarin hij zichzelf vol passie afbeeldde met mijn moeder, dansend met haar tussen de zee en de hemel, in een neosurrealistische stijl.

Rothko was een gereserveerde man, en hoewel niemand hem ooit heeft zien schilderen, herinnert Christopher zich zijn werkwijze en routines.“Zijn manier van werken was zowel spontaan als rationeel.. Hij was geen 'action painter', voor wie het gebaar van de hand en de lijn telt. Ik had altijd een plan, een idee om mee te beginnen, maar ik bracht vele lagen verf aan en dacht na terwijl elke laag droogde. Afhankelijk van het resultaat kon hij zijn oorspronkelijke idee aanpassen. Het kostte veel tijd om details te corrigeren.“

Mark Rothko accepteerde geen regels van anderen, maar creëerde zijn eigen regels. Hij had een werkschema zoals een zakenman. Zijn zoon herinnert het zich als volgt: "Hij begon om 8 uur 's ochtends en bleef tot 6 uur 's avonds, zes dagen per week. Dan kwam hij thuis en was het gezin een andere wereld waar niet over schilderen werd gesproken. Maar...", Hij ging graag met vrienden op stap om te praten over filosofie, theater en andere schilders, met name over degenen die hem hadden geïnspireerd., ...van de meesters van de Italiaanse Renaissance of Matisse. Hij bezocht graag musea en kerken, want wat hem echt interesseerde was hoe andere kunstenaars met ruimte en emoties omgingen.".

misverstanden

Christopher Rothko schreef in de loop van twaalf jaar een essaybundel getiteld Van binnenuit, In dit boek biedt hij een nieuwe kijk op het werk van zijn vader en probeert hij de vele misverstanden eromheen op te helderen. Hij maakt twee fundamentele punten duidelijk: "Men zegt dat zijn schilderijen in de loop der jaren donkerder werden omdat hij met depressies worstelde, maar in werkelijkheid was het gewoon een bewuste keuze.". Hij koos voor een donkerdere stijl omdat hij niet wilde dat mensen zijn schilderij als "mooi" zouden beschouwen, maar dat ze er juist verder dan dat in zouden kijken. Voor hem moest schoonheid gevoelens en ideeën dienen. Hij was een man die zich bezighield met existentiële vragen, en daarom zijn zijn schilderijen als een voortdurend gesprek met degene die voor hem staat.” Hij voegt eraan toe: “Voor mijn vader was kunst een diepgaande vorm van communicatie.”

Misschien is dat wel de reden waarom een van Mark Rothko's bekendste uitspraken luidt: "Ik spreek door middel van mijn kleuren." Door de meesterlijke manipulatie van kleur verkende hij de diepten van zichzelf en de menselijke conditie. Hij schreef: "Ik wil alleen fundamentele menselijke emoties uitdrukken: tragedie, extase, tegenspoed, enzovoort," en verklaarde:“Het feit dat veel mensen in tranen uitbarsten als ze mijn schilderijen zien, bewijst dat ik deze fundamentele menselijke emoties kan overbrengen.“".

Nog een belangrijk misverstand dat Christopher Rothko wilde ophelderen, is het feit dat veel mensen niet weten hoe ze de extreme mate van abstractie in Rothko's klassieke composities moeten benaderen. "Sommigen beweren dat het lege composities zijn, dat er niets in zit," zegt hij. "Integendeel, Je moet begrijpen dat een schilderij van Rothko niet alleen visueel is. Het is een beleving. Hij zou geen jaren hebben besteed aan het schilderen van honderden rechthoeken als er niets te zien was. Zijn composities zijn niet nihilistisch. Dat is een grote vergissing.”

Precies de titel van de tentoonstelling. Schoonmaak, Zoals Elliot McDonald, directeur van de Pace Gallery, uitlegt, verwijst dit naar die "spirituele leegte" en naar Rothko's behoefte om alle externe invloeden uit te wissen om tot de pure essentie te komen, een idee dat in al zijn werken terugkomt. Uiteindelijk is deze tentoonstelling Het biedt kijkers een zeldzame inkijk in de meer spontane werkwijze van de kunstenaar, waarbij hij experimenteerde met kleuren en materialen.bevrijd van de eisen van grootschalige schermen.

“"Het biedt kijkers een intieme ontmoeting en vervult Rothko's wens om de barrières tussen kunstenaar en kijker te doorbreken," concludeert McDonald. Rothko suggereerde, misschien gekscherend omdat hij zo ironisch was, dat de ideale afstand om deze werken te bekijken 45 centimeter was, wat zijn eigen nabijheid tot de schilderijen tijdens het maken ervan weerspiegelde.

Deze tentoonstelling valt samen met de historische tentoonstelling van muurschilderingen in Tate Britain. Seagram Rothko's werk uit 1958 staat in dialoog met schilderijen van JMW Tornero, een Britse schilder die hij zeer bewonderde. De grootschalige schilderijenserie, oorspronkelijk bedoeld voor het Four Seasons-restaurant in New York, werd in 1969 door de kunstenaar uitgeleend aan de Tate en arriveerde in 1970 in Londen.