Ultimul Rothko pe hârtie

Pace, cea mai importantă galerie internațională de artă contemporană, deschide o nouă locație, a noua, în Piața Hanovra, Londra, o piață complet renovată, cu o expoziție extraordinară a pictorului ruso-american Mark Rothko (Dvinsk, Rusia, 1930; New York, 1970), cunoscut mai ales pentru picturile sale fascinante cu câmpuri de culoare monumentale care învăluie privitorul și invocă metafizicul.

Expoziția intitulată Mark Rothko 1968: Curățenieși care va fi deschis până pe 13 noiembrie, reunește 17 tablouri cheie realizate folosind tehnica acrilic pe hârtie și într-un format relativ mai micla sfârșitul anilor 1960, o perioadă semnificativă și prolifică în cariera artistului, în ciuda stării sale fizice din ce în ce mai fragile și a vieții personale tumultoase.

În 1968, sănătatea lui Rothko se deteriorează serios când suferă de un anevrism de aortă aproape fatal, pentru care este internat timp de trei săptămâni. Medicul îl sfătuiește să nu mai picteze, lucru pe care Rothko îl refuză. Ei își asumă angajamentul de a reduce în mod semnificativ scara mare a picturilor lor și lucrează exclusiv pe hârtie, mai degrabă decât pe pânză. În ciuda lui, Rothko a continuat să picteze febril, cu un entuziasm reînnoit pentru culoare, captivat de efectul vopselei acrilice.pe care tocmai o descoperise.

„Aceste lucrări pe hârtie făcute de tatăl meu în vremuri grele, cu sănătate delicată și restricții, sunt preferatele mele, pentru că reprezintă completarea efortului tău de-a lungul vieții de a-ți rafina viziunea asupra nelimitatului. Ele sunt dovada modului în care tatăl meu a tratat boala și depresia prin pictură. În fiecare zi a început mereu”, spune Christian Rothko, fiul lui Mark Rothko, psiholog de profesie din New York care, alături de sora sa Kate, a devenit cea mai mare autoritate în opera artistului.

„Picturile care compun expoziția provin aproape toate din familie”, spune Elliot McDonald, directorul Pace Gallery, care reprezintă moștenirea lui Rothko din anii 1970, care stă în fața lucrărilor, instalată fără rame sau sticlă. după cum i-a plăcut pictorului, el explică: „Deși a fost forțat să reducă scara, de la pânza sa monumentală caracteristică la o hârtie de dimensiuni mai intime, Aceste lucrări pe hârtie au aceeași forță extraordinară, aceeași putere evocatoare și o paletă de culori la fel de bogată și imaginativă. Aceste lucrări pe hârtie creează acea iluzie magică a unui spațiu infinit și luminos” ·

Christian Rothko adaugă: „De-a lungul carierei, a lucrat mereu la rol în anumite perioade. El a vrut să-i vedem toate lucrările, indiferent de format mare sau mic, așa cumsau un dialog uman și intim cu privitorul, plin de emoții. Le-a făcut cu același scop de a transmite o experiență autentică.” De fapt, această intimitate se traduce în special în tehnica hârtiei, deoarece are o calitate inerent asemănătoare pielii datorită vulnerabilității sale. Expoziția, cu lucrări ca mici bijuterii, încurajează examinarea intimă, oferind o calitate meditativă excepțională.

Christopher Rothko avea doar șase ani când tatăl său s-a sinucis în 1970. Amintirile sale din copilărie sunt plăcute, dar limitate, deoarece era protejat de multe aspecte negative. „De fapt, l-am văzut de parcă ar fi fost bunicul meu”, spune el. „Am cunoscut latura lui mai jucăușă și mai teatrală, despre care puțini știau. Pentru el, am fost ca un cadou și mi-a spus asta. Îi plăcea să mă ducă în studioul lui și să-mi dea rulouri de hârtie și pensule de pictat și îmi cânta albume muzicale. Am ascultat împreună muzică clasică, mai ales Mozart, și mai mult Mozart; ne-am certat pentru că el a preferat Flautul Magic si eu Don Giovanni. Spunea mereu: deși Mozart părea foarte fericit, muzica lui era un strigăt prin zâmbetul lui. Muzica pentru Rothko a fost fundamentală. „Întotdeauna a fost muzică în casă”, își amintește Christopher. „Muzica exprimă exact genul de experiență emoțională, preverbală și profund senzuală pe care a dorit ca picturile sale să o trezească în privitor.”.

Christian a crescut înconjurat de lucrările tatălui său și, de fapt, mai deține lucrări din toate perioadele. „Unul dintre cei care l-au emotionat cel mai mult este cel din sala de mese, si care acum este la MoMA. Ai dreptul Vârtej lent pe malul măriiîn care s-a portretizat pasional cu mama mea, dansând cu ea între mare și cer, în stil neosuprrealist”.

Rothko era un bărbat cu o personalitate rezervată și, deși nimeni nu l-a văzut pictând, Christopher își amintește metoda și rutinele. „Modul lui de lucru a fost atât spontan, cât și rațional.. Nu a fost un pictor „action painting”, pentru care ceea ce contează este gestul mâinii și linia. Întotdeauna am avut un plan, o idee cu care să încep, dar am aplicat multe straturi de culoare și m-am gândit pe măsură ce fiecare strat s-a uscat. În funcție de rezultat, și-ar putea schimba ideea inițială. A durat mult timp pentru a corecta orice detalii”

Mark Rothko nu a acceptat regulile nimănui, ci și-a creat propriile sale. Avea un program de lucru de parcă ar fi fost un om de afaceri. Așa își amintește fiul său: „Începea la 8 dimineața și stătea până la 18, șase zile pe săptămână. Apoi s-a întors acasă și familia era un alt univers în care nu se vorbea de pictură. Deşi, Îmi plăcea să ies cu prietenii și să vorbesc despre filozofie, teatru și alți pictori, în special despre influențele lor., de maeștrii Renașterii italiene sau Matisse. Îi plăcea să viziteze muzeele și bisericile pentru că ceea ce îl interesa cu adevărat era modul în care alți artiști abordează spațiul și pasiunile.”

neînțelegeri

Pe parcursul a doisprezece ani, Christopher Rothko a scris o carte de eseuri intitulată Din interior spre exterior, în care oferă o nouă abordare a muncii tatălui său și își propune să clarifice numeroasele neînțelegeri despre opera sa. El ne spune două fundamentale: „Se spune că picturile lui s-au întunecat de-a lungul anilor pentru că s-a luptat cu depresia, dar în realitate a fost pur și simplu o alegere. A adoptat un stil mai întunecat pentru că nu dorea ca oamenii să-i vadă pictura ca fiind „frumoasă”, ci să meargă dincolo. Pentru el, frumusețea trebuie să fie în slujba sentimentelor și ideilor. Era un om preocupat de întrebări existențiale și, prin urmare, picturile lui sunt ca o conversație constantă cu oricine se află în fața lui.” Și adaugă: „Pentru tatăl meu, arta a fost o formă profundă de comunicare”.

Poate de aceea una dintre cele mai cunoscute fraze ale lui Mark Rothko este „Vorbesc prin culorile mele”. Prin manipularea magistrală a culorii, el a pătruns în profunzimile lui însuși și a condiției umane. El a scris: „Vreau doar să exprim emoțiile umane de bază: tragedie, extaz, nenorocire etc.”, și a declarat: „Faptul că atât de mulți oameni se strică și plâng când dau peste picturile mele arată că pot comunica aceste emoții umane de bază.“.

O altă mare neînțelegere pe care Christopher Rothko a vrut să o lămurească este faptul că mulți oameni nu știu cum să abordeze nivelul extrem de abstractizare al compozițiilor clasice ale lui Rothko. „Unii au sugerat că sunt compoziții goale, că nu există nimic”, spune el. "Departe, Trebuie să înțelegeți că un tablou Rothko nu este doar vizual. Este o experiență. N-ar fi petrecut ani de zile pictând sute de dreptunghiuri dacă nu era nimic acolo. Compozițiile sale nu sunt nihiliste. Aceasta este o mare greșeală.”

Exact titlul expoziției Curatenie, după cum a precizat Elliot McDonald, directorul galeriei Pace, se referă la această „golire spirituală”, și la nevoia lui Rothko de a șterge toate influențele exterioare, de a atinge esența pură, idee care se reflectă în toate lucrările sale. Până la urmă, această expoziție oferă spectatorilor o privire rară în cea mai spontană practică a artistului în timp ce a experimentat cu culoarea și mediulliber de cerințele ecranelor la scară largă.

„Permite spectatorilor o întâlnire intimă, împlinind dorința lui Rothko de a sparge barierele dintre artist și spectator”, conchide McDonald. Rothko a sugerat, poate în glumă, pentru că era atât de iubitor, că distanța ideală pentru a se angaja cu aceste lucrări era de 18 inci, reflectând propria sa apropiere de picturile pe care le-a realizat.

Această expoziție coincide cu expoziția emblematică a picturilor murale a Tate Britain Seagram 1958 de Rothko în dialog cu picturile lui JMW Tornero, un pictor britanic pe care îl admira profund. Setul de picturi la scară largă destinat inițial restaurantului Four Seasons din New York a fost împrumutat de artist la Tate în 1969, ajungând la Londra în 1970.