[広告1]

国際的に著名な現代アートギャラリーであるペースが、ロンドンの改装されたばかりのハノーバー・スクエアに9番目のギャラリーをオープンする。 ロシア系アメリカ人画家マーク・ロスコの素晴らしい展覧会 （ロシア、ドヴィンスク生まれ、1930年；ニューヨーク没、1970年）は、見る者を包み込み、形而上学的な世界を想起させる、壮大な色彩のフィールドを描いた魅惑的な絵画で最もよく知られている。.

展覧会のタイトルは マーク・ロスコ 1968年：クリーニング11月13日まで展示されるこの展覧会では、 アクリル絵具を用いて紙に描かれた、比較的小ぶりなサイズの主要作品17点。1960年代後半は、彼の体調が次第に衰え、私生活も波乱に満ちていたにもかかわらず、この芸術家のキャリアにおいて重要かつ多作な時期であった。.

1968年、ロスコの健康状態は深刻な悪化を見せ、大動脈瘤で危篤状態に陥り、3週間入院した。医師は絵を描くのをやめるよう勧めたが、ロスコはそれを拒否した。そこで、絵画の規模を大幅に縮小し、キャンバスではなく紙のみに制作するという妥協案が成立した。しかし、, ロスコはアクリル絵具の効果に魅了され、色彩への新たな情熱を燃やし、熱心に絵を描き続けた。.彼がつい最近発見したばかりのことだった。.

“「父が体調を崩し、様々な制約を抱えていた困難な時期に制作したこれらの紙作品は、私にとって特に大切なものです。なぜなら…」 それらは、彼が生涯をかけて追求してきた、無限の可能性というビジョンを磨き上げる努力の集大成と言える。. 「これらの作品は、父が絵を描くことで病気や鬱病とどのように向き合っていたかの証です。父は毎日、必ず新たな気持ちで描き始めました」と、ニューヨーク在住で心理学者であり、妹のケイトと共に父の作品研究の第一人者となったマーク・ロスコの息子、クリスチャン・ロスコは語る。.

“「展覧会を構成する絵画はほぼすべてロスコの家族から譲り受けたものです」と、1970年代からロスコの遺産を扱ってきたペース・ギャラリーのディレクター、エリオット・マクドナルドは語る。画家が好んだように額縁やガラスなしで展示された作品を監督するマクドナルドは、「ロスコは特徴的な巨大なキャンバスからより親密な紙のサイズへと規模を縮小せざるを得ませんでしたが、, これらの紙作品は、いずれも並外れた力強さ、喚起力、そして同様に豊かで想像力に富んだ色彩を備えている。. これらの紙作品は、無限に広がる光り輝く空間という、魔法のような錯覚を生み出す。

クリスチャン・ロスコはこう付け加える。「彼のキャリアを通して、彼は特定の時期に常に紙に作品を制作しました。彼は、作品が大小のフォーマットに関係なく、すべての作品を私たちに見てほしいと思っていました。あるいは、感情に満ちた、視聴者との人間的で親密な対話。. 「彼は、真の体験を伝えるという同じ目的で作品を制作した。」実際、この親密さは、紙を用いる技法に特に顕著に表れている。紙は、その脆さゆえに、本質的に肌に似た性質を持っているからだ。小さな宝石のような作品群で構成されたこの展覧会は、鑑賞者にじっくりと作品を見つめる機会を与え、格別な瞑想的な体験をもたらす。.

クリストファー・ロスコは、1970年に父親が自殺した時、わずか6歳だった。幼少期の記憶は楽しいものだが、多くのネガティブな側面から守られていたため、限られたものとなっている。「実際、私は父を祖父のように思っていました」と彼は言う。「私は父の遊び心のある、演劇的な一面を知っていましたが、それはごく少数の人しか知りませんでした。父にとって私は贈り物のようなもので、そう言ってくれました。父は私をスタジオに連れて行き、絵を描くための紙と筆を与え、音楽アルバムを聴かせてくれました。私たちは一緒にクラシック音楽を聴き、主にモーツァルト、そしてまたモーツァルトを聴きました。父がなぜ他の音楽を好むのかについて議論したこともありました。」 魔笛 そして私 ドン・ジョヴァンニ. 彼はいつもこう言っていた。「モーツァルトはとても幸せそうに見えたが、彼の音楽は笑顔の裏に隠された叫びだった」と。ロスコにとって音楽は根本的なものだった。「家にはいつも音楽が流れていた」とクリストファーは回想する。“その音楽は、彼が絵画を通して鑑賞者に呼び起こそうとした、感情的で、言葉になる前の、そして深く官能的な体験を完璧に表現している。.”.

クリスチャンは父親の作品に囲まれて育ち、実際、今でもあらゆる時代の作品を所有している。“彼が最も感動した作品の一つは、かつてダイニングルームにあったもので、現在はMoMAに所蔵されている。彼にはその権利がある。 海の端にあるゆっくりとした渦潮その作品の中で彼は、海と空の間で母と踊る自身の姿を、ネオ・シュルレアリスム様式で情熱的に描いた。.

ロスコは控えめな人物で、誰も彼が絵を描いているところを見たことはないが、クリストファーは彼の制作方法や日課を覚えている。“彼の仕事のやり方は、自発的であると同時に合理的でもあった。.. 彼は、手の動きや線そのものを重視する「アクションペインター」ではなかった。私は常に計画、つまり出発点となるアイデアを持っていたが、何層にも色を重ね、それぞれの層が乾くのを待ちながら熟考した。結果次第では、最初のアイデアを変更することもあった。細部を修正するには長い時間がかかった。“

マーク・ロスコは誰のルールも受け入れず、独自のルールを作り出した。彼はビジネスマンのような仕事スケジュールを持っていた。息子はこう回想している。「父は午前8時に仕事を始め、午後6時まで週6日間仕事をしていました。それから家に帰ると、家族は絵画の話が一切されない別世界でした。しかし、, 彼は友人たちと出かけて、哲学や演劇、そして他の画家たち、特に彼に影響を与えた画家たちについて語り合うのが大好きだった。, …イタリア・ルネサンスの巨匠たちやマティスなど。彼は美術館や教会を訪れるのが好きだった。なぜなら、彼が本当に興味を持っていたのは、他の芸術家たちが空間や情熱にどのように向き合っているかということだったからだ。.

誤解

クリストファー・ロスコは12年かけてエッセイ集を執筆し、 内側から外側へ, 本書の中で、彼は父親の作品に対する新たなアプローチを提示し、それを取り巻く多くの誤解を解き明かそうとしている。彼は二つの重要な点を述べている。「彼の絵が年を経るごとに暗くなっていくのは、彼がうつ病に苦しんでいたからだと言われているが、実際はそれは単なる選択だったのだ。」. 彼は、人々に自分の絵を「美しい」と見なしてもらいたくなかったからこそ、より暗い作風を採用した。むしろ、その美しさを超越した作品を目指したのだ。. 彼にとって、美は感情や思想に奉仕するものでなければならない。彼は実存的な問いに関心を寄せていた人物であり、だからこそ彼の絵画は、目の前にいる人との絶え間ない対話のようなものなのだ」と彼は付け加える。「父にとって、芸術は奥深いコミュニケーションの形だった」。”

おそらくそれが、マーク・ロスコの最も有名な言葉の一つが「私は色彩を通して語る」である理由だろう。彼は色彩の巧みな操作を通して、自分自身と人間の状態の深淵を探求した。彼はこう書いている。「私はただ、悲劇、歓喜、不幸など、基本的な人間の感情を表現したいだけだ」と。そしてこう宣言した。“私の絵を見た多くの人が涙を流すという事実は、私がこうした基本的な人間の感情を伝えることができるという証拠だ。.“「。.

クリストファー・ロスコが明確にしたかったもう一つの大きな誤解は、多くの人がロスコの古典的な作品の極端な抽象性にどうアプローチすれば良いのか分からないという事実です。「中には、それらは空虚な作品で、何も存在しないと言う人もいます」と彼は言います。「そうではなく、, ロスコの絵画は単なる視覚的なものではないということを理解しなければならない。それは一つの体験なのだ。. 何も意味がないのなら、彼は何百もの長方形を何年もかけて描き続けることはなかっただろう。彼の作品はニヒリズムではない。それは大きな間違いだ。”

まさに展覧会のタイトルそのものだ。 クリーニング, ペース・ギャラリーのディレクター、エリオット・マクドナルドが具体的に述べているように、これは「精神的な空虚」を指し、ロスコが純粋な本質に到達するためにあらゆる外的影響を排除する必要があったことを意味しており、この考えは彼のすべての作品に反映されている。最終的に、この展覧会は この作品は、画家が色彩や素材を試行錯誤しながら、より自発的な制作活動を行っていた様子を垣間見ることができる貴重な機会を視聴者に提供する。大型スクリーンの制約から解放される。.

“「この作品は鑑賞者に親密な体験を提供し、画家と鑑賞者の間の障壁を取り払いたいというロスコの願いを実現している」とマクドナルドは結論づけている。ロスコは、皮肉屋だったため冗談めかして言ったのかもしれないが、これらの作品と向き合う理想的な距離は18インチだと示唆した。これは、彼自身が作品を制作していた時の絵画との距離を反映したものだ。.

本展は、テート・ブリテンで開催中の歴史的な壁画展と同時期に開催される。 シーグラム ロスコの1958年の作品は、彼が深く敬愛していたイギリス人画家JMWトルネロの絵画と対話している。もともとニューヨークのフォーシーズンズ・レストランのために制作されたこの大規模な絵画群は、1969年にロスコ自身によってテート美術館に貸し出され、1970年にロンドンに到着した。.