L'ultimo Rothko su carta

Pace, la principale galleria internazionale d'arte contemporanea, inaugura la sua nona nuova sede ad Hanover Square a Londra, una piazza completamente rinnovata che presenta una straordinaria mostra del pittore russo-americano Mark Rothko (Dvinsk, Russia, 1930; New York, 1970), noto soprattutto per i suoi dipinti ammalianti con monumentali campiture di colore che avvolgono l'osservatore ed evocano il metafisico.

La mostra intitolata Mark Rothko 1968: Puliziae che sarà esposta fino al 13 novembre, riunisce 17 dipinti chiave realizzati con la tecnica dell'acrilico su carta e in un formato relativamente più piccoloalla fine degli anni '60, un periodo significativo e prolifico nella carriera dell'artista, nonostante il suo stato fisico sempre più fragile e la tumultuosa vita personale.

Nel 1968 la salute di Rothko peggiorò gravemente quando fu colpito da un aneurisma aortico quasi fatale, per il quale fu ricoverato in ospedale per tre settimane. Il medico gli consiglia di smettere di dipingere, ma Rothko rifiuta. Si impegnano a ridurre significativamente le grandi dimensioni dei loro dipinti e a lavorare esclusivamente su carta anziché su tela. Nonostante lui, Rothko continuò a dipingere febbrilmente con rinnovato entusiasmo per il colore, affascinato dall'effetto della pittura acrilica.che aveva appena scoperto.

“Queste opere su carta realizzate da mio padre in tempi difficili, con salute cagionevole e con restrizioni, sono le mie preferite, perché rappresentano il completamento del suo impegno durato una vita per affinare la sua visione dell'illimitato. Sono la prova di come mio padre affrontava la malattia e la depressione attraverso la pittura. «Ogni giorno ricominciava sempre da capo», racconta Christian Rothko, figlio di Mark Rothko, psicologo di professione che, insieme alla sorella Kate, è diventato la massima autorità sull’opera dell’artista, originario di New York.

"I dipinti in mostra provengono quasi tutti dalla famiglia", afferma Elliot McDonald, direttore della Pace Gallery, che dagli anni Settanta rappresenta l'eredità di Rothko. McDonald, che si trova di fronte alle opere, installate senza cornici né vetri, come piaceva al pittore, spiega: “Sebbene fosse costretto a ridurre la scala dalla sua caratteristica tela monumentale a una dimensione più intima della carta, Queste opere su carta hanno la stessa straordinaria forza, lo stesso potere evocativo e una tavolozza di colori altrettanto ricca e fantasiosa. Queste opere su carta creano quella magica illusione di uno spazio infinito e luminoso”

Christian Rothko aggiunge: “Per tutta la sua carriera ha sempre lavorato su carta in determinati periodi. Voleva che vedessimo tutte le sue opere, indipendentemente dal formato grande o piccolo, comeoppure un dialogo umano e intimo con lo spettatore, ricco di emozioni. Li ha realizzati con lo stesso scopo: trasmettere un'esperienza autentica." In effetti, questa intimità si riflette in modo particolare nella tecnica della carta, che possiede una qualità intrinsecamente simile alla pelle grazie alla sua vulnerabilità. La mostra, con opere simili a piccoli gioielli, incoraggia un'analisi intima, offrendo un'eccezionale qualità meditativa.

Christopher Rothko aveva solo sei anni quando suo padre si suicidò nel 1970. I suoi ricordi d'infanzia sono piacevoli ma limitati, poiché era protetto da molti aspetti negativi. "In effetti, lo vedevo come mio nonno", dice. Ho avuto modo di conoscere il suo lato più giocoso e teatrale, che pochi conoscevano. Per lui ero come un dono e me lo diceva. Gli piaceva portarmi nel suo studio e darmi rotoli di carta e pennelli per dipingere, e mi faceva ascoltare album musicali. Ascoltavamo musica classica insieme, soprattutto Mozart, e ancora Mozart; discutevamo del perché preferisse Il flauto magico e io Don Giovanni. Diceva sempre: nonostante Mozart sembrasse molto felice, la sua musica era un grido attraverso il suo sorriso. Per Rothko la musica era fondamentale. "C'era sempre musica in casa", ricorda Christopher. “La musica esprime esattamente il tipo di esperienza emotiva, preverbale e profondamente sensuale che voleva che i suoi dipinti suscitassero nell'osservatore.”.

Christian è cresciuto circondato dalle opere del padre e, infatti, possiede ancora opere di ogni epoca. “Una delle opere che più lo commosse fu quella nella sala da pranzo, ora conservata al MoMA. Hai il diritto Mulinello lento in riva al marein cui si ritraeva appassionatamente con mia madre, danzando con lei tra il mare e il cielo, nello stile neosurrealista”.

Rothko era un uomo dalla personalità riservata e, sebbene nessuno lo vedesse dipingere, Christopher ricorda il suo metodo e le sue abitudini. “Il suo modo di lavorare era allo stesso tempo spontaneo e razionale.. Non era un pittore di “action painting”, per il quale ciò che conta è il gesto della mano e la linea. Ho sempre avuto un piano, un'idea da cui partire, ma ho applicato molti strati di colore e ho riflettuto mentre ogni strato si asciugava. A seconda dell'esito, potrebbe cambiare la sua idea iniziale. Ci è voluto molto tempo per correggere ogni dettaglio”

Mark Rothko non accettava le regole di nessuno, ma creava le sue. Aveva un orario di lavoro da uomo d'affari. Così lo ricorda suo figlio: "Iniziava alle 8 del mattino e rimaneva fino alle 6 di sera, sei giorni a settimana. Poi tornava a casa e la famiglia era un altro universo in cui la pittura non si parlava. Tuttavia, Mi piaceva uscire con gli amici e parlare di filosofia, teatro e di altri pittori, soprattutto delle loro influenze, dai maestri del Rinascimento italiano o da Matisse. Amava visitare musei e chiese perché ciò che lo interessava davvero era il modo in cui altri artisti si avvicinavano allo spazio e alle passioni."

incomprensioni

Christopher Rothko ha scritto un libro di saggi nel corso di dodici anni intitolato Dall'interno verso l'esterno, che offre un nuovo approccio all'opera del padre e mira a chiarire i numerosi malintesi che circondano la sua opera. Ce ne racconta due fondamentali: «Si dice che i suoi dipinti si siano oscurati nel corso degli anni perché lottava contro la depressione, ma in realtà è stata semplicemente una scelta. Adottò uno stile più cupo perché non voleva che la gente considerasse la sua pittura "bella", ma che andasse oltre. Per lui la bellezza deve essere al servizio dei sentimenti e delle idee. Era un uomo attento alle questioni esistenziali e, per questo, i suoi dipinti sono come un dialogo costante con chi gli sta di fronte." Aggiunge: “Per mio padre, l’arte era una profonda forma di comunicazione”.

Forse è per questo che una delle citazioni più note di Mark Rothko è "Parlo attraverso i miei colori". Attraverso una magistrale manipolazione del colore, scavò nelle profondità di se stesso e della condizione umana. Scrisse: "Voglio solo esprimere le emozioni umane fondamentali: tragedia, estasi, sfortuna, ecc." e dichiarò: "Il fatto che molte persone si struggano e piangano quando si imbattono nei miei dipinti dimostra che sono in grado di comunicare queste emozioni umane fondamentali.“.

Un altro grande equivoco che Christopher Rothko voleva chiarire è il fatto che molte persone non sanno come avvicinarsi all'estremo livello di astrazione delle composizioni classiche di Rothko. "Alcuni hanno ipotizzato che si tratti di composizioni vuote, che non contengano nulla", afferma. "Lontano, Bisogna capire che un dipinto di Rothko non è solo visivo. È un'esperienza. Se non ci fosse stato niente, non avrebbe passato anni a dipingere centinaia di rettangoli. Le sue composizioni non sono nichiliste. Questo è un grave errore."

Esattamente il titolo della mostra Pulizia, come precisa Elliot McDonald, direttore della galleria Pace, si riferisce a questo “svuotamento spirituale”, e alla necessità di Rothko di cancellare ogni influenza esterna, per raggiungere la pura essenza, idea che si riflette in tutte le sue opere. In definitiva, questa mostra offre agli spettatori uno sguardo raro sulla pratica più spontanea dell'artista mentre sperimentava colori e mezzilibero dalle esigenze dei grandi schermi.

"Permette agli spettatori un incontro intimo, realizzando il desiderio di Rothko di abbattere le barriere tra artista e spettatore", conclude McDonald. Rothko suggerì, forse in tono scherzoso perché era molto ironico, che la distanza ideale per osservare queste opere fosse di 45 centimetri, a indicare la sua vicinanza ai dipinti mentre li realizzava.

Questa mostra coincide con la storica mostra di murales della Tate Britain Seagram 1958 di Rothko in dialogo con i dipinti di JMW Tornero, pittore britannico da lui profondamente ammirato. La serie di dipinti di grandi dimensioni, originariamente destinata al ristorante Four Seasons di New York, fu prestata dall'artista alla Tate nel 1969 e giunse a Londra nel 1970.