un artiste solitaire à la recherche de réponses

peintre norvégien Edvard Munch (1863-1944) est sans doute l'un des artistes les plus importants de la modernité esthétique. Son œuvre la plus connue, Le cri, dont la première version fut achevée en 1893, avec d'autres variantes picturales et gravures toujours portant le même titre, est l'une des représentations les plus intenses du dégoût éprouvé par les transformations du monde moderne. Dans une de ses notes, en l'occurrence non datée, Munch raconte que l'œuvre est née lorsque, marchant seul entre la ville et un fjord, il sentit que les couleurs de l'après-midi prenaient un ton rouge, comme le sang, ce qui lui faisait sentir un cri de la nature : « les couleurs criaient ».

L'excellente exposition organisée par le musée d'Orsay permet d'approfondir toute la carrière artistique de Munch, ainsi que cette œuvre emblématique, dont une seule gravure est présentée ici. Plus de 100 œuvres ont été rassemblées : 50 peintures pertinentes, auxquelles s'ajoute un remarquable ensemble de dessins et de gravures. La visite est organisée en huit sections plus un épilogue concis, qui ne suit pas d'ordre chronologique.

Le critère d'articulation repose sur le principe du cycle, que les commissaires considèrent comme la clé centrale de l'œuvre artistique de Munch, et qui se déploierait dans le concept de métabolisme, selon lequel l'humanité et la nature circulent ensemble dans un même cycle : celui de la vie. , la mort et la renaissance. L'intention est de faire comprendre que la méthode de travail de Munch consisterait à variation thématique d'une idée qui se développe différemment dans diverses œuvres.

[Des militants écologistes essayant de se rattraper dans le cadre du "El cri" de Munch à Oslo]

Cette approche trouvera sa première expression dans la série de travaux frise de viedont il fait partie Le cri. C'est là l'un des aspects centraux que cette exposition nous offre pour comprendre et ressentir en profondeur l'art de Munch. Bien qu'il ait vécu et respiré l'atmosphère des avant-gardes artistiques, À tout moment, il était un solitaireartiste qui a travaillé individuellement, en dehors de groupes ou d'associations.

En réalité, il a cherché à aller au fond de son expérience vitaletoujours complexe et difficile, avec des décès familiaux, des difficultés relationnelles et des problèmes mentaux qui, dus à une profonde dépression nerveuse, déterminèrent son hospitalisation dans une clinique de Copenhague de l'automne 1908 au printemps 1909.

Bien qu'il ait vécu et respiré l'atmosphère de l'avant-garde artistique, il a toujours été un solitaire, un artiste qui travaillait individuellement, en dehors des groupes.

Ses relations passionnées étaient également d'une complexité intense, sans pouvoir en aucun cas les consolider. Et c'est là que réside l'origine de l'aspect le plus discutable de l'œuvre artistique de Munch : la représentation picturale de la femme comme vampire n'importe lequel Assassindans lequel l'expérience de l'amour est liée à la douleur et à la souffrance, mais avec le ton « femme fatale »Évidemment sexiste et donc inacceptable.

En tout cas, la force et la qualité picturale de Munch sont incontestables. De lui approche intensément vitaliste et autobiographique il se développe en regardant à l'intérieur de soi pour visualiser et donner vie aux cycles de l'existence. Dans quelques notes de 1907-1908, après avoir indiqué que « l’art est le contraire de la nature », Munch souligne : « Une œuvre d’art ne peut surgir que de l’intérieur de l’être humain. L'art est la forme que prend l'image après avoir traversé les nerfs de l'être humain, son cœur, son cerveau, son œil.

C'est là que se situent ses préoccupations et motifs artistiques centraux : l'amour, l'angoisse, le doute existentiel, la confrontation avec la mort... Rien n'est encore dans la vie, car ils nous font voir la force et l'intensité expressive des couleurs picturales de Munch, ainsi que le dynamisme des figures, des situations et des objets dans toutes ses œuvres. La communication avec la littérature et la pensée philosophique, mais aussi avec le théâtre, est déterminante pour le ton et la profondeur expressionniste que véhiculent ses œuvres.

Votre relation avec le théâtrecomme le souligne l'une des sections de l'exposition : on pourrait dire que Munch conçoit la peinture comme un miroir du théâtre, de la mise en scène de la vie.

La peinture nous fait voir, et nous fait rester dans la vie. C’est finalement l’horizon que nous ouvre Edvard Munch. Lors d'une entrée tardive dans votre carnet de croquis (1930-1935), écrivait : « Nous ne mourons pas, c'est le monde qui nous abandonne ». En regardant à l'intérieur, en comprenant les replis de la vie, nous restons là, même si le monde finit par nous quitter. Et cela se produit avec le travail artistique de Munch, qui continuer à vivre au fil du temps.

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