Le dernier Rothko sur papier

Pace, la principale galerie internationale d'art contemporain, ouvre un nouvel emplacement, son neuvième, à Hanover Square, à Londres, une place entièrement rénovée, avec une exposition extraordinaire du peintre russo-américain Mark Rothko (Dvinsk, Russie, 1930 ; New York, 1970), surtout connu pour ses peintures fascinantes de champs de couleurs monumentaux qui enveloppent le spectateur et invoquent la métaphysique.

L'exposition intitulée Mark Rothko 1968 : Nettoyeret qui sera ouvert jusqu'au 13 novembre, rassemble 17 peintures clés réalisées selon la technique de l'acrylique sur papier et dans un format relativement plus petità la fin des années 1960, période significative et prolifique dans la carrière de l'artiste, malgré son état physique de plus en plus fragile et sa vie personnelle tumultueuse.

En 1968, la santé de Rothko se détériore sérieusement lorsqu'il souffre d'un anévrisme de l'aorte presque mortel, pour lequel il est hospitalisé pendant trois semaines. Le médecin lui conseille d'arrêter de peindre, ce que Rothko refuse. Ils s'engagent à réduire considérablement la taille de leurs peintures et à travailler exclusivement sur papier plutôt que sur toile. Malgré lui, Rothko continue à peindre fébrilement avec un enthousiasme renouvelé pour la couleur, captivé par l'effet de la peinture acrylique.qu'il venait de découvrir.

« Ces œuvres sur papier réalisées par mon père dans des moments difficiles, avec une santé délicate et des restrictions, sont mes préférées, car représente l'achèvement de vos efforts de toute une vie pour affiner votre vision de l'illimité. Ils témoignent de la manière dont mon père a géré la maladie et la dépression à travers la peinture. Chaque jour, il recommençait toujours », explique Christian Rothko, fils de Mark Rothko, psychologue de profession qui, avec sa sœur Kate, est devenu la plus grande autorité en matière de travail de l'artiste new-yorkais.

"Les peintures qui composent l'exposition proviennent presque toutes de la famille", explique Elliot McDonald, directeur de la Pace Gallery, qui représente l'héritage de Rothko depuis les années 1970. McDonald, qui se tient devant les œuvres, installées sans cadre ni vitre, comme le peintre l'aimait, il explique : « Bien qu'il ait été contraint de réduire l'échelle, de sa toile monumentale caractéristique à un papier de format plus intime, Ces œuvres sur papier ont la même force extraordinaire, le même pouvoir évocateur et une palette de couleurs tout aussi riche et imaginative. Ces œuvres sur papier créent cette illusion magique d'un espace infini et lumineux” ·

Christian Rothko ajoute : « Tout au long de sa carrière, il a toujours travaillé sur le rôle à certaines périodes. Il souhaitait que nous puissions voir toutes ses œuvres, quel que soit leur grand ou petit format, ainsi queou un dialogue humain et intime avec le spectateur, riche en émotions. Il les a réalisés dans le même but de transmettre une véritable expérience. En fait, cette intimité se traduit particulièrement dans la technique du papier car elle possède une qualité intrinsèque de peau en raison de sa vulnérabilité. L'exposition, avec des œuvres comme de petits bijoux, encourage l'examen intime, offrant une qualité méditative exceptionnelle.

Christopher Rothko n'avait que six ans lorsque son père s'est suicidé en 1970. Ses souvenirs d'enfance sont agréables mais limités, car il était protégé de nombreux aspects négatifs. « En fait, je le voyais comme s'il était mon grand-père », dit-il. « J'ai découvert son côté plus ludique et théâtral, que peu de gens connaissaient. Pour lui, j’étais comme un cadeau et il me l’a dit. Il aimait m'emmener dans son atelier et me donner des rouleaux de papier et des pinceaux pour peindre, et il me faisait écouter des albums de musique. Nous avons écouté de la musique classique ensemble, principalement du Mozart, et encore du Mozart ; nous nous sommes disputés parce qu'il préférait La flûte magique et moi Don Giovanni. Il disait toujours : même si Mozart semblait très heureux, sa musique était un cri à travers son sourire. Pour Rothko, la musique était fondamentale. « Il y avait toujours de la musique à la maison », se souvient Christopher. "La musique exprime exactement le genre d’expérience émotionnelle, préverbale et profondément sensuelle qu’il souhaitait que ses peintures éveillent chez le spectateur.».

Christian a grandi entouré des œuvres de son père et possède en effet toujours des œuvres de toutes les époques. "L’un de ceux qui l’a le plus ému est celui de la salle à manger, et qui se trouve désormais au MoMA. Tu as le droit Tourbillon lent au bord de la merdans lequel il se représentait passionnément avec ma mère, dansant avec elle entre la mer et le ciel, dans le style néo-surréaliste ».

Rothko était un homme à la personnalité réservée et, même si personne ne l'a vu peindre, Christopher se souvient de sa méthode et de ses routines. "Sa façon de travailler était à la fois spontanée et rationnelle.. Il n’était pas un peintre « d’action painting », pour qui ce qui compte c’est le geste de la main et le trait. J'ai toujours eu un plan, une idée pour commencer, mais j'ai appliqué plusieurs couches de couleur et j'ai réfléchi à mesure que chaque couche séchait. En fonction du résultat, il pourrait changer son idée initiale. Il a fallu beaucoup de temps pour corriger certains détails. »

Mark Rothko n'a accepté les règles de personne, mais a créé les siennes. Il avait un horaire de travail comme s'il était un homme d'affaires. Voici comment son fils s'en souvient : « Il commençait à 8 heures du matin et restait jusqu'à 18 heures, six jours par semaine. Puis il rentra chez lui et la famille était un autre univers où il n'était pas question de peinture. Bien que, J'adorais sortir avec des amis et parler de philosophie, de théâtre et d'autres peintres, notamment de leurs influences., par les maîtres de la Renaissance italienne ou Matisse. Il adorait visiter les musées et les églises car ce qui l’intéressait vraiment, c’était la façon dont d’autres artistes abordent l’espace et les passions.

malentendus

Pendant douze ans, Christopher Rothko a écrit un livre d'essais intitulé À l'envers, dans lequel il propose une nouvelle approche de l'œuvre de son père et vise à clarifier les nombreux malentendus autour de son œuvre. Il nous en dit deux fondamentales : « On dit que ses peintures se sont assombries au fil des années parce qu'il luttait contre la dépression, mais en réalité c'était simplement un choix. Il a adopté un style plus sombre parce qu'il ne voulait pas que les gens voient sa peinture comme « jolie », mais qu'il aille au-delà. Pour lui, la beauté doit être au service des sentiments et des idées. C'était un homme préoccupé par des questions existentielles et, par conséquent, ses peintures sont comme une conversation constante avec celui qui se trouve devant lui. Et il ajoute : « Pour mon père, l’art était une forme profonde de communication. »

C'est peut-être pour cela que l'une des phrases les plus connues de Mark Rothko est « Je parle à travers mes couleurs ». Grâce à une manipulation magistrale de la couleur, il a plongé au plus profond de lui-même et de la condition humaine. Il écrit : « Je veux juste exprimer les émotions humaines fondamentales : la tragédie, l’extase, le malheur, etc. », et déclare : «Le fait que tant de gens s'effondrent et pleurent lorsqu'ils découvrent mes peintures montre que je peux communiquer ces émotions humaines fondamentales.“.

Un autre grand malentendu que Christopher Rothko voulait dissiper est le fait que beaucoup de gens ne savent pas comment aborder le niveau extrême d'abstraction des compositions classiques de Rothko. "Certains ont suggéré qu'il s'agissait de compositions vides, qu'il n'y avait rien", dit-il. "Loin, Il faut comprendre qu’un tableau de Rothko n’est pas seulement visuel. C'est une expérience. Il n’aurait pas passé des années à peindre des centaines de rectangles s’il n’y avait rien. Ses compositions ne sont pas nihilistes. C'est une grosse erreur."

Exactement le titre de l'exposition Nettoyer, comme le précise Elliot McDonald, directeur de la galerie Pace, fait référence à ce « vidage spirituel » et au besoin de Rothko d'effacer toutes les influences extérieures, pour atteindre l'essence pure, une idée qui se reflète dans toutes ses œuvres. En fin de compte, cette exposition offre aux spectateurs un rare aperçu de la pratique la plus spontanée de l'artiste alors qu'il expérimentait la couleur et le médiumlibre des exigences des écrans à grande échelle.

« Cela permet aux spectateurs une rencontre intime, répondant au désir de Rothko de briser les barrières entre l’artiste et le spectateur », conclut McDonald. Rothko a suggéré, peut-être en plaisantant parce qu'il était si ironique, que la distance idéale pour s'engager dans ces œuvres était de 18 pouces, reflétant sa propre proximité avec les peintures au moment où il les réalisait.

Cette exposition coïncide avec l'exposition historique des peintures murales de la Tate Britain. Seagramme 1958 de Rothko en dialogue avec les tableaux de JMW Tornero, peintre britannique qu'il admirait profondément. L'ensemble de peintures de grand format initialement destiné au restaurant Four Seasons de New York est prêté par l'artiste à la Tate en 1969, pour arriver à Londres en 1970.