de jeune bourgeoisie à pionnière de l’art féministe au Guatemala

L'artiste Margarida Azurdia (Guatemala, 1931-1998) a signé ses pièces de plusieurs hétéronymes : Margot Fanjul (nom de femme mariée), Una Soledad, Margarita Rita Rica Dinamita, Anastasia Margarita... avec qui elle s'est également fait connaître dans les différents contextes artistiques où elle a vécu : Canada (1944-1955), la Californie (1957-1963), Paris (1974-1982) et la banlieue du Guatemala, où il revient toujours.

Un autre facteur qui, associé à la diversité successive des propositions dans sa production et aux difficultés de reconstitution de certaines périodes, explique peut-être la négligence de son œuvre jusqu'à récemment.

Appartenant à la classe supérieure, Père guatémaltèque et mère catalaneétait une artiste cosmopolite qui a exposé à New York, au Mexique, en Colombie et à la XIIe Biennale de São Paulo, où elle a exposé des peintures, des sculptures et des installations.

L'artiste subvertit l'imagerie religieuse guatémaltèque transmuée en un style pop naïf

Malgré son parcours autodidacte, polémique avec esprit dans les journaux sur sa position artistique en faveur de l'abstraction auprès d'artistes figuratifs politiquement engagés dans un Guatemala convulsé, avec des gouvernements autocratiques et militaires jusqu'en 1985 ; publié une douzaine de livres avec des dessins, collages et des poèmes ; et, dans son pays, elle a été une pionnière des pratiques performatives.

Dans cette exposition, la plus grande organisée en Europe, nous pouvons couvrir plus de trois décennies de sa carrière. Une course dans laquelle, selon la commissaire Rossina Cazali, qui connaissait Margarita et d'autres de ses contemporains, on regardait de l'abstraction initiale à un chemin de recherche intérieure et de spiritualité, avec des échos du théologien Teilhard de Chardin. Cela relierait Azurdia à d'autres artistes mystiques, dont la généalogie a été établie dans la récente exposition abstraction femmes que nous avons pu voir au Guggenheim de Bilbao.

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L'histoire de la mode aujourd'hui, mais pas si évidente ici pour les visiteurs, qui préfèrent avoir l'impression de un artiste toujours expérimental dans lequel, de son attirance pour l'artisanat indigène guatémaltèque réalisé par les femmes, elle se penche progressivement vers le féminisme de la symbolique de la déesse mère et les cultes « matriarcaux » dans lesquels travailleront simultanément d'autres artistes, du célèbre Le dîner réalisée par l'artiste américaine Judy Chicago entre 1973 et 1979, à d'autres qui ne peuvent être classées, comme Mary Beth Edelson, Mónica Sjöö, Louise Bourgeois, l'artiste d'origine cubaine Ana Mendieta et la Chicana Amalia Mesa-Bains.

Le début est spectaculaire, avec la série géométrique: tissus art op des peintures monumentales avec des diamants de couleurs intenses et contrastées, créées à la fin des années 60 et au début des années 70 et inspirées, comme l'atteste déjà la critique Marta Traba à son époque, dans les dessins et les couleurs des textiles indigènes, qu'elle collectionnait déjà lorsqu'elle Elle était une jeune bourgeoise avec trois enfants, avant de partir en Californie et de se consacrer aux arts.

Il est dommage que la quasi-totalité des premières toiles à motifs ovales réalisées là-bas aient été perdues. Ainsi que les sculptures mobiles en marbre blanc, dont seul un bel exemplaire est présenté dans cette exposition.

A Paris, elle débute sa formation aux arts du spectacle, essentielle à son rôle de pionnière de l'art de la performance.

Et à mon avis, même pendant cette période, il est dommage qu'aucune tentative n'ait été faite pour actualiser l'espace environnemental. Otez vos chaussures, s'il vous plaît1970, présenté à la II Biennale de Medellín et où l'on était invité à entrer dans un cube faiblement éclairé avec un sol en terre cuite.

Le tournant définitif intervient au milieu des années 70, avec la non moins remarquable série Hommage au Guatemalaavec des morceaux qui subvertissent l'imaginaire religieux guatémaltèque transmué en pop naïve et où ils apparaissent déjà personnifications de femmes autonomes.

Ensuite, l'exposition se dilue un peu avec l'échantillon excessif de papiers de la période parisienne : une véritable archéologie biographique, avec laquelle on arriverait à la dissection de l'intimesi ce n’était de son intérêt plastique limité.

Mais à Paris, outre sa relation avec les féministes, Azurdia débutera sa formation en danse et en arts du spectacle, fondamentale pour son rôle de pionnière des pratiques performatives au Guatemala.

Quelques derniers meubles d'autel renforcent son convictions féministes et environnementales autour de la divinité du fémininavec des photos où on la voit danser avec d'autres femmes en extérieur.

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