El último Rothko sobre el papel

Pace, la galería de arte contemporáneo líder a nivel internacional, abre una nueva ubicación, la novena, en Hanover Square, Londres, una plaza completamente renovada, con una extraordinaria exposición del pintor ruso-estadounidense Mark Rothko (Dvinsk, Rusia, 1930; Nueva York, 1970), mejor conocido por sus fascinantes pinturas de campos de color monumentales que envuelven al espectador e invocan lo metafísico.

La exposición titulada Mark Rothko 1968: Limpiandoy que estará abierto hasta el 13 de noviembre, reúne 17 pinturas clave realizadas con la técnica del acrílico sobre papel y en un formato comparativamente más pequeñoa finales de la década de 1960, un período significativo y prolífico en la carrera del artista, a pesar de su estado físico cada vez más frágil y su tumultuosa vida personal.

En 1968, la salud de Rothko se deteriora gravemente cuando sufre un aneurisma aórtico casi mortal, por el que permanece hospitalizado durante tres semanas. El médico le aconseja que deje de pintar, a lo que Rothko se niega. Se comprometen a reducir significativamente la gran escala de sus pinturas y trabajan exclusivamente sobre papel en lugar de lienzo. A pesar de él, Rothko continuó pintando febrilmente con renovado entusiasmo por el color, cautivado por el efecto de la pintura acrílica.que acababa de descubrir.

“Estas obras sobre papel realizadas por mi padre en tiempos difíciles, con salud delicada y restricciones, son mis favoritas, porque representan la culminación del esfuerzo de toda su vida para refinar su visión de lo ilimitado. Son una prueba de cómo mi padre afrontó la enfermedad y la depresión a través de la pintura. Cada día siempre empezaba de nuevo”, dice Christian Rothko, hijo de Mark Rothko, psicólogo de profesión que, junto a su hermana Kate, se convirtió en la mayor autoridad sobre la obra del artista neoyorquino.

“Las pinturas que componen la exposición provienen casi todas de la familia”, dice Elliot McDonald, director de Pace Gallery, que representa el legado de Rothko desde la década de 1970. McDonald, de pie frente a las obras, instaladas sin marcos ni cristales, como le gustaba al pintor, explica: “Aunque se vio obligado a reducir la escala, desde su característico lienzo monumental a un papel de tamaño más íntimo, Estas obras sobre papel tienen la misma fuerza extraordinaria, el mismo poder evocador y una paleta de colores igualmente rica e imaginativa. Estas obras sobre papel crean esa mágica ilusión de un espacio infinito y luminoso” ·

Christian Rothko añade: “A lo largo de su carrera, siempre ha trabajado en el papel en determinados momentos. Quería que viéramos todas sus obras, sin importar el formato grande o pequeño, comoo un diálogo humano e íntimo con el espectador, lleno de emociones. Los hizo con el mismo propósito de transmitir una experiencia genuina”. De hecho, esta intimidad se traduce especialmente en la técnica del papel porque tiene una cualidad inherentemente similar a la de la piel debido a su vulnerabilidad. La exposición, con obras como pequeñas joyas, propicia el examen íntimo, ofreciendo una cualidad meditativa excepcional.

Christopher Rothko tenía sólo seis años cuando su padre se suicidó en 1970. Sus recuerdos de infancia son agradables pero limitados, ya que estuvo protegido de muchos aspectos negativos. “De hecho, lo veía como si fuera mi abuelo”, afirma. “Conocí su lado más lúdico y teatral, que pocos conocían. Para él yo era como un regalo y así me lo dijo. Le gustaba llevarme a su estudio y darme rollos de papel y pinceles para pintar, y me ponía álbumes de música. Escuchábamos música clásica juntos, sobre todo Mozart, y más Mozart; discutimos porque el preferia La flauta magica y yo Don Juan. Siempre decía: aunque Mozart parecía muy feliz, su música era un grito a través de su sonrisa. La música para Rothko era fundamental. “Siempre había música en la casa”, recuerda Christopher. “La música expresa exactamente el tipo de experiencia emocional, preverbal y profundamente sensual que quería que sus pinturas despertaran en el espectador.”.

Christian creció rodeado de las obras de su padre y, de hecho, aún posee obras de todas las épocas. “Uno de los que más le emocionó es el del comedor, y que ahora está en el MoMA. tienes el derecho Bañera de hidromasaje lenta junto al maren el que se retrataba apasionadamente con mi madre, bailando con ella entre el mar y el cielo, al estilo neosurrealista”.

Rothko era un hombre de personalidad reservada, y aunque nadie lo vio pintar, Christopher recuerda su método y rutinas. “Su forma de trabajar era a la vez espontánea y racional.. No era un pintor de “action paint”, para quien lo que cuenta es el gesto de la mano y el trazo. Siempre tuve un plan, una idea para empezar, pero apliqué muchas capas de color y reflexioné mientras cada capa se secaba. Dependiendo del resultado podría cambiar su idea inicial. Tomó mucho tiempo corregir cualquier detalle”

Mark Rothko no aceptó las reglas de nadie, sino que creó las suyas propias. Tenía un horario de trabajo como si fuera un hombre de negocios. Así lo recuerda su hijo: “Empieza a las 8 de la mañana y se queda hasta las 6 de la tarde, seis días a la semana. Luego regresó a casa y la familia era otro universo donde no se hablaba de pintura. A pesar de, Me encantaba salir con amigos y hablar sobre filosofía, teatro y otros pintores, especialmente sus influencias., de los maestros del Renacimiento italiano o Matisse. Le encantaba visitar museos e iglesias porque lo que realmente le interesaba era cómo otros artistas abordan el espacio y las pasiones”.

mal entendidos

A lo largo de doce años, Christopher Rothko escribió un libro de ensayos titulado De adentro hacia afuera, en el que ofrece un nuevo enfoque al trabajo de su padre y pretende aclarar los numerosos malentendidos sobre su trabajo. Nos cuenta dos fundamentales: “Dicen que sus cuadros se oscurecieron con los años porque luchaba contra la depresión, pero en realidad fue simplemente una elección. Adoptó un estilo más oscuro porque no quería que la gente viera su pintura como “bonita”, sino que fuera más allá. Para él la belleza debe estar al servicio de los sentimientos y de las ideas. Era un hombre preocupado por cuestiones existenciales y, por eso, sus pinturas son como una conversación constante con quien tiene enfrente”. Y añade: “Para mi padre, el arte era una forma profunda de comunicación”.

Quizás por eso una de las frases más conocidas de Mark Rothko sea “Hablo a través de mis colores”. A través de una magistral manipulación del color, profundizó en lo más profundo de sí mismo y de la condición humana. Escribió: “Sólo quiero expresar emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, desgracia, etc.”, y declaró: “El hecho de que tantas personas se derrumben y lloren cuando ven mis pinturas demuestra que puedo comunicar estas emociones humanas básicas.“.

Otro gran malentendido que Christopher Rothko quería aclarar es el hecho de que mucha gente no sabe cómo acercarse al nivel extremo de abstracción de las composiciones clásicas de Rothko. “Algunos han sugerido que son composiciones vacías, que no hay nada”, afirma. "Lejos, Hay que entender que una pintura de Rothko no es sólo visual. Es una experiencia. No habría pasado años pintando cientos de rectángulos si no hubiera nada allí. Sus composiciones no son nihilistas. Este es un gran error”.

Exactamente el título de la exposición. Limpiar, como especifica Elliot McDonald, director de la galería Pace, se refiere a ese “vaciamiento espiritual”, y a la necesidad de Rothko de borrar todas las influencias externas, para alcanzar la esencia pura, idea que se refleja en todas sus obras. En definitiva, esta exposición ofrece a los espectadores una visión poco común de la práctica más espontánea del artista mientras experimentaba con el color y el medio.libre de las exigencias de las pantallas de gran escala.

"Permite a los espectadores un encuentro íntimo, cumpliendo el deseo de Rothko de romper las barreras entre el artista y el espectador", concluye McDonald. Rothko sugirió, tal vez en broma porque era muy irónico, que la distancia ideal para interactuar con estas obras era de 18 pulgadas, lo que reflejaba su propia proximidad a las pinturas mientras las hacía.

Esta exposición coincide con la histórica exposición de murales de la Tate Britain. Seagrama 1958 de Rothko en diálogo con pinturas de JMW Tornero, pintor británico al que admiraba profundamente. El conjunto de pinturas de gran formato originalmente destinado al restaurante Four Seasons de Nueva York fue prestado por el artista a la Tate en 1969, llegando a Londres en 1970.