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Es scheint, dass die Malerei immer im Rampenlicht steht. Sein Tod wurde viele Male besprochen und oft wurde an seine Wiedergeburt erinnert. Aber die Wahrheit ist, dass diese Disziplin allen Angriffen standzuhalten scheint. Die Erforschung seiner zeitgenössischen Grenzen und Möglichkeiten ist das Ziel, mit dem das Turiner OGR eröffnet wurde Schneiden Sie einen Teppich in ein rundes QuadratAusstellung kuratiert von der Künstlerin Jessica Stockholder (Seattle, 1959) mit Werken aus den Sammlungen der Stiftung „la Caixa“ und der Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT.
Es ist ein Sturm, den man trotz der durch die Pandemie verursachten Einschränkungen spüren und genießen kann. Das OGR ist nicht der White Cube, an den wir von zeitgenössischen Kunstgalerien gewöhnt sind, sondern ein Industrieraum (dort wurden Züge repariert), dessen ursprüngliches Erscheinungsbild erhalten geblieben ist. Obwohl dort mehrere Ausstellungen stattfanden, drehte sich bisher keine um die Malerei. Deshalb „nahmen sie es als Herausforderung an“, sagt Nimfa Bisbe, verantwortlich für die Kunstsammlungen der Stiftung „la Caixa“ und die uns die Schlüssel zu dieser Ausstellung gibt. Um das Projekt durchzuführen, brauchten sie „jemanden, der es wagte, etwas anderes zu machen“, und bald wurde ihnen klar, dass es ein Künstler sein musste, der die Installation vorschlug.
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„Jessica Stockholder hat einen sehr erweiterten Malereibegriff. Darüber hinaus ist die Malerei heute in gewisser Weise hybrid. Es gibt Werke, die der Skulptur oder sogar der Bildfotografie nahe kommen. Der Aktionär trug mit der Qualität bei, über Malerei in aktuelleren Begriffen zu sprechen, als facettenreiches Medium“, sagt Bisbe. Tatsächlich kommt diese Ausstellung einer großen immersiven Installation mit Werken von Künstlern wie Vito Acconci, Aurelio Amendola, Edward Ruscha, Robert Mangold, Pedro G. Romero, Guillermo Pérez Villalta, Marlene Dumas, Richard Tuttle, Tracey Emin und Diego Perrone nahe oder der Aktionär selbst. „Es war sehr respektvoll und die Werke behalten ihre eigene Identität. Manche von ihnen werden sogar anders gesehen“, fügt Bisbe hinzu.
Es sind genau 10 Werke, die der Aktionär aus der Sammlung der Stiftung „la Caixa“ ausgewählt hat. Einige stammen von bekannten Künstlern, andere von spanischen Künstlern, die in Italien unbekannt sind. Von Francesco Clemente wählte er beispielsweise ein Fresko, das die Stiftung in den Vereinigten Staaten erworben hatte und das Spanien seit seiner Ankunft im Jahr 1980 nicht mehr verlassen hat. Es wurde nur im Guggenheim-Museum in Bilbao anlässlich einer Ausstellung ausgestellt, die sechs Fresken des Künstlers vereinte. Der Aktionär vertiefte sich in die beiden Sammlungen und wählte aus den Mitteln des spanischen Unternehmens ein „figuratives Gemälde von Pérez Villalta, das uns mit seinem Disziplinkonzept überraschte“, erklärt der Verantwortliche der Sammlungen.
Bei der Auswahl der Stücke konzentrierte sich der Künstler auf zwei geometrische Figuren: das Quadrat und der Kreis und wie sie in den meisten Gemälden zusammenhängen: „das Quadrat als rational und der Kreis als weniger stabiler und beweglicherer Aspekt“. In diesem Spiel platzierte er zwei Richard-Tuttle-Steine auf Pyramidenwänden, die einander zugewandt sein müssen, und entschied, dass jede der Wände eine andere Farbe hat. „Ich untersuche, wie die im Allgemeinen geradlinige Geometrie, die der Kontur oder Kante von Gemälden innewohnt, innerhalb und außerhalb von Gemälden Bedeutung erzeugt.“erklärt die Künstlerin selbst, die bis zum 6. März auch in Madrid in der Galerie Max Estrella eine Einzelausstellung eröffnet hat.
Während er die Hintergründe erkundete, beobachtete er die Anwesenheit dieser beiden geometrischen Figuren und begann dann, „sich die Darstellung des menschlichen Körpers als eine Art Kreis vorzustellen, der in ein Quadrat eingeschrieben ist, wie im…“. Vitruvianischer Mann von Leonardo da Vinci. Die Gemälde selbst zeichnen sich im Allgemeinen durch eine geradlinige Geometrie aus. Was im Inneren des Bildschirms passiert, übt Druck auf die Ränder aus. Die Kanten sind wörtlich und abstrakt und werden durch die Spitze des materiellen Trägers definiert, aber das Rechteck, das als Karte identifiziert wird, wird aufgrund der Abstraktion verstanden“, weist er darauf hin.
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Letztlich eine Umweltinstallation, die auf erfahrungsmäßige Weise den Konflikt zwischen Kreis und Quadrat als Bild des produktiven Konflikts zwischen Rationalität und Vorstellungskraft, Ordnung und Überfluss, Körper und Idee hervorruft. „Ich glaube, Stockholder suchte nach einer Konstante, um einen Diskurs zu etablieren, und stellte fest, dass es in vielen Werken diesen Zusammenhang gab, aber manchmal ist er sehr subtil. Das Gemälde von Marlene Dumas zeigt zum Beispiel eine Figur, die ihre Arme ausbreitet und scheinbar einen Kreis zeichnet und sie neben ein italienisches Foto stellt, auf dem wir einen Kreis sehen. DER la pieza Von 9 bis 17 Uhr von Ruscha, der uns zur Uhr, zu ihrer Zirkularität und unserem Arbeitstag führt“, erklärt Bisbe.
In dieser Ausstellung sucht der Künstler die Aktivität des Betrachters, der umhergeht und sich auf die Details jedes Stücks konzentriert. Stockholder hat für ihn einen großen Ring mit fuchsiarosafarbener Erde gebaut, damit der Besucher klettern kann, und hat ihm seitdem die Führung gegeben, um das Ensemble zu sehen.
Tod und Auferstehung der Malerei
Für Nimfa Bisbe ist das Gemälde in einem sehr guten Gesundheitszustand. Diese Disziplin „hat sich erweitert. Im Ausstellungskatalog Eine dauerhafte Gerade [organisiert im CaixaForum Barcelona im Juni 2019], sagte David Barro, dass das Einzige, was sich nicht geändert habe, der Name sei, aber wir müssten über das Bildliche sprechen, weil wir ein Vokabular verwenden, das über Farben, Figuren, Formen und Texturen spreche. Wenn wir zum Beispiel ein Video sehen, sagen wir, es sei bildhaft.“ In diesem Sinne glaubt er, dass die Malerei Teil unserer Geschichte und unseres Geistes ist. „Selbst wenn wir eine Landschaft sehen, sehen wir sie mit diesen Augen, und das liegt daran, dass das Bildhafte Teil unserer DNA ist“, fügt er hinzu. Darüber hinaus „kehren immer mehr Künstler zur quadratischen Leinwand zurück und beflecken und beschmutzen weiterhin mit Pigmenten, aber beim Malen – so kommt er zu dem Schluss – geht es nicht nur darum, was auf einer ebenen Oberfläche passiert“.