Der letzte Rothko auf dem Papier

Pace, die führende internationale Galerie für zeitgenössische Kunst, eröffnet einen neuen Standort, ihren neunten, am Hanover Square in London, einem komplett renovierten Platz eine außergewöhnliche Ausstellung des russisch-amerikanischen Malers Mark Rothko (Dwinsk, Russland, 1930; New York, 1970), vor allem bekannt für seine faszinierenden Gemälde mit monumentalen Farbfeldern, die den Betrachter einhüllen und das Metaphysische hervorrufen.

Die Ausstellung mit dem Titel Mark Rothko 1968: Aufräumenund das bis zum 13. November geöffnet ist, bringt zusammen 17 Schlüsselgemälde, die in der Acryl-auf-Papier-Technik und in vergleichsweise kleinerem Format entstanden sindin den späten 1960er Jahren, einer bedeutenden und produktiven Periode in der Karriere des Künstlers, trotz seiner zunehmend fragilen körperlichen Verfassung und seines turbulenten Privatlebens.

Im Jahr 1968 verschlechtert sich Rothkos Gesundheitszustand ernsthaft, als er an einem beinahe tödlichen Aortenaneurysma leidet, weshalb er drei Wochen lang im Krankenhaus liegt. Der Arzt rät ihm, mit dem Malen aufzuhören, was Rothko ablehnt. Sie verpflichten sich, die Größe ihrer Gemälde deutlich zu reduzieren und ausschließlich auf Papier und nicht auf Leinwand zu arbeiten. Trotz ihm, Rothko malte fieberhaft weiter, mit neuer Begeisterung für die Farbe, fasziniert von der Wirkung der Acrylfarbe.das hatte er gerade erst entdeckt.

„Diese Arbeiten auf Papier, die mein Vater in schwierigen Zeiten mit anfälliger Gesundheit und Einschränkungen angefertigt hat, sind meine Favoriten, weil stellen den Abschluss Ihrer lebenslangen Bemühungen dar, Ihre Vision vom Grenzenlosen zu verfeinern. Sie sind ein Beweis dafür, wie mein Vater durch die Malerei mit Krankheiten und Depressionen umgegangen ist. Jeden Tag fing er immer wieder von vorne an“, sagt Christian Rothko, Sohn von Mark Rothko, einem Psychologen von Beruf, der zusammen mit seiner Schwester Kate von New York aus zur größten Autorität für das Werk des Künstlers wurde.

„Die Gemälde, aus denen die Ausstellung besteht, stammen fast alle von der Familie“, sagt Elliot McDonald, Direktor der Pace Gallery, die seit den 1970er Jahren Rothkos Vermächtnis repräsentiert, der vor den Werken steht, die ohne Rahmen oder Glas installiert sind. Wie es dem Maler gefiel, erklärt er: „Obwohl er gezwungen war, den Maßstab zu verkleinern, von seiner charakteristischen monumentalen Leinwand auf ein intimeres Papierformat, Diese Arbeiten auf Papier haben die gleiche außergewöhnliche Kraft, die gleiche evokative Kraft und eine ebenso reiche und fantasievolle Farbpalette. Diese Arbeiten auf Papier erzeugen die magische Illusion eines unendlichen und leuchtenden Raums“ ·

Christian Rothko fügt hinzu: „Im Laufe seiner Karriere hat er immer wieder an bestimmten Stellen an der Rolle gearbeitet. Er wollte, dass wir alle seine Werke, egal ob im großen oder kleinen Format, sehenoder ein menschlicher und intimer Dialog mit dem Betrachter, voller Emotionen. Er hat sie mit dem gleichen Ziel geschaffen, ein echtes Erlebnis zu vermitteln.“ Tatsächlich spiegelt sich diese Intimität insbesondere in der Papiertechnik wider, da sie aufgrund ihrer Verletzlichkeit von Natur aus eine hautähnliche Qualität hat. Die Ausstellung mit Werken, die kleinen Juwelen ähneln, regt zur intimen Auseinandersetzung an und bietet eine außergewöhnliche meditative Qualität.

Christopher Rothko war gerade sechs Jahre alt, als sein Vater 1970 Selbstmord beging. Seine Kindheitserinnerungen sind angenehm, aber begrenzt, da er vor vielen negativen Aspekten geschützt war. „Tatsächlich sah ich ihn, als wäre er mein Großvater“, sagt er. „Ich lernte seine eher spielerische und theatralische Seite kennen, die nur wenige kannten. Für ihn war ich wie ein Geschenk und das hat er mir auch gesagt. Er nahm mich gern mit in sein Atelier und gab mir Papierrollen und Pinsel zum Malen, und er spielte mir Musikalben vor. Wir hörten zusammen klassische Musik, hauptsächlich Mozart und noch mehr Mozart; Wir haben uns gestritten, weil er es vorzog Die Zauberflöte und ich Don Giovanni. Er sagte immer: Obwohl Mozart sehr glücklich schien, war seine Musik durch sein Lächeln ein Schrei. Musik war für Rothko von grundlegender Bedeutung. „Im Haus gab es immer Musik“, erinnert sich Christopher. „Die Musik drückt genau die Art emotionaler, vorverbaler und zutiefst sinnlicher Erfahrung aus, die er mit seinen Bildern beim Betrachter wecken wollte.“.

Christian wuchs umgeben von den Werken seines Vaters auf und besitzt tatsächlich noch immer Werke aus allen Epochen. „Eines davon hat ihn am meisten bewegt: das im Esszimmer, das sich jetzt im MoMA befindet. Du hast das Recht Slow-Whirlpool am Meerin dem er sich leidenschaftlich mit meiner Mutter porträtierte, wie er mit ihr zwischen Meer und Himmel tanzte, im neosurrealistischen Stil.“

Rothko war ein Mann mit einer zurückhaltenden Persönlichkeit, und obwohl ihn niemand malen sah, erinnert sich Christopher an seine Methode und Routinen. „Seine Arbeitsweise war sowohl spontan als auch rational.. Er war kein „Action-Painting“-Maler, für den die Handbewegung und die Linie zählten. Ich hatte immer einen Plan, eine Idee, aber ich trug viele Schichten Farbe auf und überlegte, während jede Schicht trocknete. Abhängig vom Ergebnis könnte er seine ursprüngliche Idee ändern. Es hat lange gedauert, alle Details zu korrigieren.“

Mark Rothko akzeptierte nicht die Regeln von irgendjemandem, sondern schuf seine eigenen. Er hatte einen Arbeitsplan, als wäre er ein Geschäftsmann. So erinnert sich sein Sohn daran: „Er fing um 8 Uhr morgens an und blieb bis 18 Uhr, sechs Tage die Woche. Dann kehrte er nach Hause zurück und die Familie war ein anderes Universum, in dem von Malerei keine Rede war. Obwohl, Ich liebte es, mit Freunden auszugehen und über Philosophie, Theater und andere Maler zu sprechen, insbesondere über deren Einflüsse., von den Meistern der italienischen Renaissance oder Matisse. Er liebte es, Museen und Kirchen zu besuchen, denn was ihn wirklich interessierte, war die Art und Weise, wie andere Künstler mit Raum und Leidenschaften umgehen.“

Missverständnisse

Im Laufe von zwölf Jahren schrieb Christopher Rothko ein Essaybuch mit dem Titel Von innen nach außen, in dem er einen neuen Zugang zum Werk seines Vaters bietet und die vielen Missverständnisse über sein Werk klären will. Er nennt uns zwei grundlegende Gründe: „Man sagt, dass seine Bilder im Laufe der Jahre dunkler geworden seien, weil er mit Depressionen zu kämpfen hatte, aber in Wirklichkeit war es einfach eine Entscheidung.“ Er wählte einen dunkleren Stil, weil er nicht wollte, dass die Leute sein Gemälde als „hübsch“ ansahen, sondern dass es darüber hinausging. Für ihn muss Schönheit im Dienst von Gefühlen und Ideen stehen. Er war ein Mann, der sich mit existenziellen Fragen beschäftigte, und deshalb sind seine Bilder wie ein ständiges Gespräch mit dem, der vor ihm steht.“ Und er fügt hinzu: „Für meinen Vater war Kunst eine tiefgreifende Form der Kommunikation.“

Vielleicht ist deshalb einer der bekanntesten Sätze von Mark Rothko „Ich spreche durch meine Farben“. Durch meisterhafte Farbmanipulation tauchte er in die Tiefen seiner selbst und des menschlichen Daseins ein. Er schrieb: „Ich möchte nur grundlegende menschliche Emotionen ausdrücken: Tragödie, Ekstase, Unglück usw.“ und erklärte: „Die Tatsache, dass so viele Menschen zusammenbrechen und weinen, wenn sie meine Bilder sehen, zeigt, dass ich diese grundlegenden menschlichen Emotionen vermitteln kann.“.

Ein weiteres großes Missverständnis, mit dem Christopher Rothko aufräumen wollte, ist die Tatsache, dass viele Menschen nicht wissen, wie sie mit der extremen Abstraktion von Rothkos klassischen Kompositionen umgehen sollen. „Einige haben vorgeschlagen, dass es sich um leere Kompositionen handelt, dass es nichts gibt“, sagt er. "Weit weg, Sie müssen verstehen, dass ein Rothko-Gemälde nicht nur visueller Natur ist. Es ist ein Erlebnis. Er hätte nicht Jahre damit verbracht, Hunderte von Rechtecken zu malen, wenn da nichts gewesen wäre. Seine Kompositionen sind nicht nihilistisch. Das ist ein großer Fehler.“

Genau der Titel der Ausstellung Reinigung, wie Elliot McDonald, Direktor der Pace-Galerie, es ausführt, bezieht sich auf diese „spirituelle Entleerung“ und auf Rothkos Bedürfnis, alle äußeren Einflüsse auszulöschen, um die reine Essenz zu erreichen, eine Idee, die sich in allen seinen Werken widerspiegelt. Letztendlich ist diese Ausstellung bietet dem Betrachter einen seltenen Einblick in die spontanste Praxis des Künstlers, als er mit Farbe und Medium experimentiertefrei von den Anforderungen großer Bildschirme.

„Es ermöglicht den Zuschauern eine intime Begegnung und erfüllt Rothkos Wunsch, die Barrieren zwischen Künstler und Betrachter niederzureißen“, schließt McDonald. Rothko schlug vor, vielleicht scherzhaft, weil er so ironisch war, dass der ideale Abstand, um sich mit diesen Werken auseinanderzusetzen, 18 Zoll betrage, was seine eigene Nähe zu den Gemälden widerspiegelte, als er sie schuf.

Diese Ausstellung fällt mit der wegweisenden Ausstellung der Wandgemälde in der Tate Britain zusammen Seagram 1958 von Rothko im Dialog mit Gemälden von JMW Tornero, einem britischen Maler, den er zutiefst bewunderte. Der Satz großformatiger Gemälde, der ursprünglich für das Restaurant Four Seasons in New York gedacht war, wurde 1969 vom Künstler an die Tate ausgeliehen und gelangte 1970 nach London.