O último Rothko no papel

A Pace, principal galeria internacional de arte contemporânea, inaugura um novo local, o nono, na Hanover Square, em Londres, uma praça totalmente reformada, com uma exposição extraordinária do pintor russo-americano Mark Rothko (Dvinsk, Rússia, 1930; Nova York, 1970), mais conhecido por suas pinturas fascinantes de campos de cores monumentais que envolvem o observador e invocam o metafísico.

A exposição intitulada Mark Rothko 1968: Limpandoe que estará patente até 13 de novembro, reúne 17 pinturas-chave feitas na técnica de acrílico sobre papel e em um formato comparativamente menorno final dos anos 1960, um período significativo e prolífico na carreira do artista, apesar de seu estado físico cada vez mais frágil e vida pessoal tumultuada.

Em 1968, a saúde de Rothko piora seriamente quando ele sofre um aneurisma aórtico quase fatal, pelo qual ele fica hospitalizado por três semanas. O médico o aconselha a parar de pintar, o que Rothko recusa. Eles estabelecem um compromisso para reduzir significativamente a grande escala de suas pinturas e trabalhar exclusivamente em papel, em vez de tela. Apesar dele, Rothko continuou a pintar febrilmente com renovado entusiasmo pela cor, cativado pelo efeito da tinta acrílica.que ele acabara de descobrir.

“Esses trabalhos em papel feitos pelo meu pai em tempos difíceis, com saúde delicada e com restrições, são os meus preferidos, porque representam a conclusão de seu esforço ao longo da vida para refinar sua visão do ilimitado. Eles são a prova de como meu pai lidou com a doença e a depressão pintando. A cada dia ele sempre começava de novo”, conta de Nova York Christian Rothko, filho de Mark Rothko, psicólogo de profissão que, junto com sua irmã Kate, se tornou a maior autoridade no trabalho do artista.

“As pinturas que compõem a mostra vêm quase todas da família”, afirma Elliot McDonald, diretor da Pace Gallery, que representa o legado de Rothko desde os anos 1970. McDonald, que fica à frente das obras, instaladas sem molduras ou o vidro, como gostava o pintor, explica: “Embora tenha sido obrigado a reduzir a escala, da sua característica tela monumental para um papel de tamanho mais intimista, estas obras em papel têm a mesma força extraordinária, o mesmo poder evocativo e uma paleta de cores igualmente rica e cheia de imaginação. Esses trabalhos em papel criam aquela ilusão mágica de um espaço infinito e luminoso” ·

Christian Rothko acrescenta: “Ao longo de sua carreira, ele sempre trabalhou no papel em determinados períodos. Ele queria que víssemos todas as suas obras, independentemente do grande ou pequeno formato, comoou um diálogo humano e íntimo com o espectador, cheio de emoções. Fê-los com o mesmo propósito de transmitir uma experiência genuína”. Na verdade, essa intimidade se traduz especialmente na técnica do papel, porque tem uma qualidade inerentemente semelhante à pele devido à sua vulnerabilidade. A exposição, com obras como pequenas joias, estimula o exame íntimo, oferecendo uma excepcional qualidade meditativa.

Christopher Rothko tinha apenas seis anos quando seu pai se suicidou em 1970. Suas memórias de infância são agradáveis, mas limitadas, pois ele foi protegido de muitos aspectos negativos. “Na verdade, eu o via como se fosse meu avô”, conta. “Conheci seu lado mais brincalhão e teatral, que poucos conheciam. Para ele, eu era como um presente e ele me disse isso. Ele gostava de me levar ao seu estúdio e me dar rolos de papel e pincéis para pintar, e ele me tocava álbuns de música. Ouvimos música clássica juntos, principalmente Mozart, e mais Mozart; discutimos porque ele preferia A Flauta Mágica e eu Don Giovanni. Ele sempre dizia: embora Mozart pareça muito feliz, sua música era um choro através de seu sorriso. A música para Rothko era fundamental. “Sempre havia música em casa”, lembra Christopher. “A música expressa exatamente o tipo de experiência emocional, pré-verbal e profundamente sensual que ele queria que suas pinturas despertassem no espectador.”.

Christian cresceu cercado pelas obras de seu pai e, de fato, ainda possui obras de todos os períodos. “Uma das que mais o emocionou é a que estava na sala de jantar, e que agora está no MoMA. Tem direito Redemoinho lento na beira do marem que se retratou apaixonadamente com a minha mãe, dançando com ela entre o mar e o céu, ao estilo neo-surrealista”.

Rothko era um homem de personalidade reservada e, embora ninguém o visse pintar, Christopher se lembra de seu método e rotinas. “Sua maneira de trabalhar era ao mesmo tempo espontânea e racional.. Ele não era um pintor de “action painting”, para quem o que conta é o gesto da mão e a linha. Sempre tive um plano, uma ideia para começar, mas apliquei muitas camadas de cor e ponderei enquanto cada camada secava. Dependendo do resultado, ele poderia mudar sua ideia inicial. Demorou muito para corrigir qualquer detalhe”

Mark Rothko não aceitou as regras de ninguém, mas criou as suas próprias. Ele tinha um horário de trabalho como se fosse um empresário. É assim que o filho lembra: “Ele começava às 8h da manhã e ficava até as 6h da tarde, seis dias por semana. Depois voltou para casa e a família era outro universo onde não se falava de pintura. Porém, adorava sair com os amigos e conversar sobre filosofia, teatro e outros pintores, principalmente suas influências, dos mestres do Renascimento italiano ou Matisse. Adorava visitar museus e igrejas porque o que realmente o interessava era como outros artistas abordam o espaço e as paixões”.

mal-entendidos

Christopher Rothko escreveu ao longo de doze anos um livro de ensaios intitulado De dentro para fora, em que oferece uma nova abordagem à obra do pai e visa esclarecer os muitos mal-entendidos sobre sua obra. Ele nos conta duas fundamentais: “Dizem que suas pinturas escurecem com o passar dos anos porque ele lutava contra a depressão, mas na realidade foi simplesmente uma escolha. Adotou um estilo mais sombrio porque não queria que as pessoas vissem sua pintura como “bonita”, mas que fosse além. Para ele, a beleza deve estar a serviço dos sentimentos e das ideias. Ele era um homem preocupado com questões existenciais e, por isso, suas pinturas são como uma conversa constante com quem está à sua frente”. E acrescenta: “Para o meu pai, a arte era uma forma profunda de comunicação.”

Talvez por isso, uma das frases mais conhecidas de Mark Rothko seja “Falo através das minhas cores”. Através da manipulação magistral da cor, ele mergulhou nas profundezas de si mesmo e da condição humana. Ele escreveu: “Eu só quero expressar as emoções humanas básicas: tragédia, êxtase, desgraça, etc.”, e declarou: “O fato de que muitas pessoas desmoronam e choram quando se deparam com minhas pinturas mostra que posso comunicar essas emoções humanas básicas.“.

Apenas outro grande mal-entendido que Christopher Rothko quis esclarecer é o fato de que muitas pessoas não sabem como abordar o nível extremo de abstração das composições clássicas de Rothko. “Alguns sugeriram que são composições vazias, que não há nada”, diz ele. “Longe dali, Você tem que entender que uma pintura de Rothko não é apenas visual. É uma experiência. Ele não teria passado anos pintando centenas de retângulos se não houvesse nada ali. Suas composições não são niilistas. Isso é um grande erro.”

Exatamente o título da exposição Limpando, como especifica Elliot McDonald, diretor da galeria Pace, refere-se a esse “esvaziamento espiritual”, e à necessidade de Rothko de apagar todas as influências externas, para atingir a essência pura, ideia que se reflete em todas as suas obras. Em última análise, esta exposição oferece aos espectadores um raro vislumbre da prática mais espontânea do artista enquanto ele experimentava cores e meioslivre das exigências das telas em grande escala.

“Ele permite aos espectadores um encontro íntimo, cumprindo o desejo de Rothko de romper as barreiras entre o artista e o espectador”, conclui McDonald. Rothko sugeriu, talvez de brincadeira por ser tão irônico, que a distância ideal para se envolver com essas obras era de 18 polegadas, refletindo sua própria proximidade com as pinturas enquanto as fazia.

Esta exposição coincide com a exposição histórica da Tate Britain dos murais Seagram 1958 de Rothko em diálogo com pinturas de JMW Tornero, um pintor britânico que ele admirava profundamente. O conjunto de pinturas em grande escala originalmente destinado ao restaurante Four Seasons em Nova York foi cedido pelo artista à Tate em 1969, chegando a Londres em 1970.